Elizabeth Taylor, primavera en Madrid

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El 23 de marzo de 2011 los ojos violeta de Hollywood, los de la mirada felina de La gata sobre el tejado de cinc, se apagaron para siempre. Elizabeth Taylor dejaba sin el brillo de su estrella a un mundo que habría entonces de elevarla a la categoría de mito eterno. Ahora, a pocos días de que se cumpla el primer aniversario de su muerte, la Filmoteca Española le rinde homenaje en Madrid con su ‘Recuerdo a Elizabeth Taylor’ del 14 al 30 de marzo en los Cines Doré.

Elizabeth Taylor en el Festival de San Sebastián en 1973

Elizabeth Taylor en el Festival de Cine de San Sebastián 1973.

Así, la Filmoteca hace un breve repaso por la carrera de la actriz proyectando durante estos días algunas de sus más famosas películas: ‘Un lugar en el sol’ (14/03 al 17/03), junto a Montgomery Clift; ‘Gigante’ (16/03 al 20/03), con Rock Hudson y su mítico amigo James Dean; ‘Reflejos de un ojo dorado’ (22/03 al 30/03), con Marlon Brando; ‘Ceremonia secreta’ (22/03 al 24/03); ‘De repente, el último verano’ (23/03 al 27/03), basada en la obra de Tennessee Williams; ‘Castillos en la arena’ (23/03 al 29/03), donde comparte escena con Richard Burton, con el que mantuvo un apasionado y turbulento romance en la vida real; ‘¿Quién teme a Virginia Wolf’ (24/03 al 28/03), por la que ganó el Óscar a la Mejor Actriz en 1966, y ‘Cleopatra’ (25/03), una de sus películas más recordadas.

-> Programación completa marzo en el Cine Doré.

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Mocambo: Marilyn & Ella

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Corría el año 1955 cuando Marilyn Monroe, cansada de sus papeles y su vida en Hollywood, decidió mudarse a Nueva York para encontrarse a sí misma y dar un vuelco a su carrera. Allí conocería la vida cosmopolita de la capital del mundo y se adentraría en el mundo del jazz y la noche neoyorquina de la época. Puede que fuera también en este tiempo cuando conoció a fondo a los que reconocía como sus dos cantantes favoritos: Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. La admiración de Marilyn por esta última sería la base de una futura gran amistad.

Ella Fitzgerald tenía muchas cosas en común con la que naciera como Norma Jean: ambas tuvieron una infancia difícil, los hombres las deseaban, representaban el Sueño Americano y desearon profundamente haber tenido hijos. Cuando la Monroe conoció a Ella, la cantante trabajaba en pequeños locales casi ocultos con su banda de jazz, ya que en muchos de los clubs más grandes y conocidos preferían no contratarla por motivos racistas. Tal era el caso del Mocambo, el club favorito de Marilyn en Los Ángeles. Cuando la actriz se enteró no se lo pensó dos veces y decidió llamar a Charlie Morrison, el jefe del club, ofreciéndole acudir a cada una de las actuaciones de Ella Fitzgerald y sentarse en las mesas de la primera fila si la contrataba. Conociendo los movimientos de prensa que Marilyn Monroe provocaba, los del Mocambo no se lo pensaron dos veces y contrataron a Ella, a cuyas actuaciones Marilyn no faltó ni una sola noche.

Ella Fitzgerald y Marilyn Monroe forjaron así una amistad que incluso inspiraría la obra ‘Marilyn and Ella’ de Bonnie Greer en 2008, estrenada en el londinense Theatre Royal. Ella contó en numerosas ocasiones la historia del Mocambo añadiendo que Marilyn Monroe fue una mujer inusual, una de esas personas adelantadas a su tiempo.

Coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte de la actriz de La tentación vive arriba, el Festival de Cannes celebra sus 65 ediciones dedicándole su cartel, presentado hace unos días. Marilyn sopla la vela del cumpleaños del Festival, pero esta vez el Happy Birthday se queda en nuestra imaginación.

Sinnerman

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A principios del s. XX la música negra dio al mundo una pieza que a lo largo de las siguientes décadas sería interpretada por numerosos artistas y protagonista de películas y series de televisión: ‘Sinnerman’ (‘Sinner man’; ‘Oh, Sinnerman’).

La canción, espiritualmente apocalíptica, intenta alentar a los pecadores para que así consigan redimir sus pecados, algo que hicieron The Weavers y León Bibb’s, los primeros en grabarla en 1959. La versión de Bibb’s se incluye en ‘La joven’ de Luis Buñuel.

Pero las notas de ‘Sinnerman’ esperaban todavía encontrar una voz que las hiciera eterna, algo que consiguieron cuando la gran Nina Simone, que hoy cumpliría 79 años, aprendió de memoria la canción con la que su madre, ministra Metodista, intentaba ayudar a la gente en sus ‘revival meetings’.

La inspiradora voz de la Sacerdotisa del Soul ha quedado grabada en la memoria de los cinéfilos y televidentes en distintas películas y series como las siguientes:

Daisy & Gatsby

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En 1925 se publica por primera vez ‘El Gran Gatsby’ (‘The Great Gatsby’) de F. Scott Fitzgerald, el escritor de los jóvenes, la desesperación y el alcohol en la era del jazz norteamericano de los años 20 del s. XX, valga la redundancia numérica. Su talento, casi tan conocido como su vida personal, dio lugar a uno de los símbolos de aquella generación perdida: la relación de los personajes Daisy y Gatsby, casi tan famosa que la del propio F. Scott con Zelda Fitzgerald. Este idilio ha sido inmortalizado en el cine en varias ocasiones, como también lo ha sido la vida amorosa de los Fitzgerald por ejemplo en la última película de Woody Allen ‘Midnight in Paris’, en la que son interpretados por los actores Tom Hiddleston y Alison Pill. En la novela, Jay Gatsby vive en una mansión en la que organiza fiestas a diario con gente que especula sobre el origen de su riqueza. Pero la única obsesión del joven es recuperar a un amor del pasado: Daisy, que aparecerá justo a tiempo para que el lector/espectador salga como Gatsby de las vacías fiestas de charlestón y jazz para centrarse en una segunda oportunidad en su relación.

Solamente un año después de ser publicada, ‘El Gran Gatsby’ que ya había llegado a Broadway en una adaptación dirigida por George Cukor, se convirtió en película muda de la mano de Herbert Brenon y las guionistas Becky Gardiner y Elizabeth Meehan. Lamentablemente a nuestros días no ha llegado ninguna copia de dicho film.

Años más tarde, en 1949, Ellio Nugent llevó de nuevo a la gran pantalla la célebre novela de Fizgerald con una película que no tuvo demasiada aceptación. Tendría que llegar el año 1974 para que Jack Clayton, con un guión de Francis Ford Coppola, diera lugar a la que hasta ahora ha sido la adaptación definitiva y recordada por la mayoría de los espectadores. En ella Robert Redford y Mia Farrow hacen lo propio como Gatsby y Daisy en unas interpretaciones que cayeron en el olvido de los galardones hollywoodienses y que no fueron bien acogidas por la crítica internacional, sobre todo la de Farrow, tildada de sobreactuada en su acento.

Una TV-movie con Mira Sorvino como protagonista en 2001 fue la última vez que pudimos ver a Daisy y Gatsby en la pantalla, aunque no será la última. La versión de Baz Luhrmann ya calienta motores para este 2012 con Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan. El actor intentará hacernos olvidar a Robert Redford en una película que ojalá esté más cerca de ‘Moulin Rouge’ que de ‘Australia’, ambas de Luhrmann.

Los ojos de Amparo Rivelles

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Estando esta noche totalmente sumergido en la fase REM, aquella en la que el individuo está más receptivo y en la que se producen los sueños, me he visto sorprendido por la presencia de una mujer con brillo de estrella que ha entrado con paso firme y me ha mirado desde las alturas del Olimpo. Sus ojos tenían ya la seguridad de estar de vuelta de todo y sus arrugas hablaban de experiencias, éxitos y fracasos. Sin embargo, desde ahí abajo la he visto transformarse. De repente ha rejuvenecido y ha comenzado a hablar por boca de una Rosita con acento sureño a la que según ella misma me ha indicado llaman Malvaloca, y cuando intentaba contarme sus desventuras con un tal Leonardo el pelo, la piel le ha vuelto a cambiar. Me ha mirado algo altiva y Andalucía ha desaparecido de su voz. Estaba enfadada, hablaba de un lugar llamado Fuenteovejuna y me ha pedido un arma para luchar. – ‘¿Un arma?’ – le he dicho, pero ella ya no era ella, se ha dado la vuelta y no me hablaba. He creído ver algo sujeto con fuerza por sus manos y al encararme de nuevo ese algo se me ha descubierto como una muñeca antigua, fría. Se dirigía a ella y la mimaba con sumo cuidado, como si las dos hablasen De mujer a mujer. La señora se ha vuelto loca, es lo único que la lógica me ha permitido pensar. Llegados a ese punto he intentado hablar con ella, preguntarle, pero al desaparecer la muñeca de sus manos, el suelo bajo sus pies también se ha transformado en tablas de madera que crujían de vez en cuando y la loca de la muñeca era ahora una vieja disfrazada de alcahueta que me miraba con ojos de bruja Celestina. Parecía querer esconderse, no quería que la reconociera. Ha sido inútil, supe quien era desde el primer momento. Da igual Isabel de Farnesio en Esquilache que Bernarda Alba, su mirada inquieta se hace inimitable en sus ojos. Los ojos de Amparo Rivelles.

Esos ojos se abrieron por primera vez hace hoy 87 años, como los de Paul Newman o    Asunción Balaguer, el mismo año 1925 en el que Chaplin rodaba ‘La quimera de oro’ y Eisenstein ‘El acorazado Potemkin’. Nieta, hija, hermana y tía de actores, el legado que Amparo Rivelles y su familia dejan a la cultura teatral y cinematográfica en general es tan grande como su Madrid natal.

En 2011 el Instituto Cervantes le rendía homenaje en una ceremonia en la que desde el escenario, su estado natural, la maestra de la dicción bromeó: ‘Soy la actriz que más hambre ha pasado, pero porque no comía porque estaba muy gorda. Ahora como y estoy delgada. Será para irme acostumbrándome al esqueleto, que ya me queda poco’, a lo que dicen que el patio de butacas pareció contestar: ‘No nos dejes nunca, Amparo’.

Foto: Amparo Rivelles por Sergio Parra (exposición Camerinos) // Homenaje a Amparo Rivelles – Insituto Cervantes (El Mundo) // Amparo Rivelles – Ficha IMDB //

Bailad. Bailad. Si no estamos perdidos

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Pina Bausch nació en 1940 en la Alemania de la Segunda Guerra Mundial. Su pasión por la danza como medio de expresión y sus movimientos lentos y elegantes le llevaron a Nueva York cuando solamente tenía diecinueve años. Lo innovador de su trabajo hizo que su obra (por ejemplo ‘Café Muller’ en 1978) fuera conocida en el mundo entero. De fuerte personalidad, Pina entrevistaba a sus alumnos antes de comenzar a dar clase. Se interesaba por sus inquietudes y sus miedos y les daba sus pautas personales para lograr cada uno de sus objetivos. Con ‘Pina’ (Wim Wenders, 2011) , esos bailarines le devuelven el favor y crean una película documental no ya surgida por la vida y la obra de la coreógrafa alemana si no para ella.

Cuando Pina Bausch murió en junio de 2009 pocos días después de serle detectado un cáncer, Wenders ya trabajaba en la cinta que habría de rendirle homenaje y decidió crear ‘Pina’ con imágenes de archivo, sus coreografías más famosas interpretadas por antiguos alumnos y miembros de su compañía y sus testimonios, la primera impresión que de ella recibieron, sus consejos, su manera de trabajar…

Así, Wim Wenders consigue un bello homenaje a la personalidad de Bausch mostrándonos incluso los números desde sus vísceras, desde su fondo y explicándonos la desesperada manera en que la alemana intentaba hacer aflorar lo que por dentro sentía. Si bien es cierto que el director se deja llevar quizá demasiado al sacar algunas coreografías de su espacio habitual para llevarlas a calles, montes o jardines, lo que cuenta visualmente de una manera clara es la enorme personalidad de Pina, la Carmen de la danza alemana y su rebeldía eterna.

Pisa morena

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Era un día de San Eugenio y yendo hacia el prado le conoció. Iba en calesa, y aunque no era Rodolfo Valentino, de castizo tenía más que ningún otro torero en todo Madrid. Ella al mirarlo se estremeció y los dos consiguieron que Juan Padilla creara una de las composiciones hispanas (aunque fuera escrita en Francia) que más fronteras ha sobrepasado: ‘El Relicario’.

Escrita por Armando Oliveros y José María Castellví, la obra fue estrenada en 1914 en el Teatro Eldorado de Barcelona por Mary Focela sin conseguir ningún éxito. Tiempo después y en el mismo teatro, la cupletista y actriz Raquel Meller realizaría una particular versión (mantilla negra y segunda estrofa recitada) que llevaría la canción española a Londres y a París, donde vendió más de 110.000 ejemplares de la edición y hasta se crearon objetos de souvenir basados en la canción.

En 1923 el latin lover por excelencia, el ya nombrado, el mismísimo Valentino, que si no era un torero castizo al menos lo intentó en ‘Sangre y arena’ (1921) grabó en los Estudios Brunswick de Nueva York una de las versiones de ‘El Relicario’ más desconocidas, apreciada por coleccionistas. Dicen que la grabó junto a otra, ‘The Kashmiri song’, para su nueva esposa Natacha Rambova después de divorciarse de Jean Acker, aunque su leyenda está desgraciadamente más alimentada por su supuesta o no homosexualidad y por su fama de gigoló que por sus logros en el mundo del espectáculo.

Años más tarde, en 1953 el futuro presidente de los Estados Unidos, Eisenhower, presentaba su candidatura con la composición del Maestro Padilla interpretada por una banda de música. Y a partir de entonces, aunque ni Concha Piquer, Sara Montiel o Rocío Jurado le acompañaran, la utilizó a lo largo de toda la campaña que le llevó a la Casa Blanca.

Sin embargo y aunque Rodolfo Valentino la cantara y haya sido incluida en películas como ‘Fred y Ginger’ de Federico Fellini, las que realmente la hicieron eterna y la devolvieron al pueblo, al que siempre perteneció, fueron interpretaciones como esta:

Chico & Rita

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Como si un bolero homenajeara al Hollywood más clásico, ‘Chico y Rita’ (Fernando Trueba, 2011) enamora con ritmos cubanos y fondo de jazz bajo las luces brillantes de Nueva York. Los personajes se entremezclan con los autores, los dedos de Chico al piano con los de Bebo Valdés y los ojos de Rita con la imaginación de Javier Mariscal para acabar diciendo que ‘el amor es una canción que nunca olvidarás’.

El proyecto de la película surgió hace unos años en la mente del conocido director, escritor, productor y oscarizado Fernando Trueba y de Javier Mariscal, artista y diseñador (recordado por muchos por ser el creador de Cobi, la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992). Su sueño de materializar un romance apasionado a caballo entre Cuba y Nueva York en las décadas de 1940-1950 se materializó cuando Bebo Valdés, el músico cubano más importante de nuestro tiempo, se unió al proyecto. Si los dibujos de Mariscal eran la base, Valdés lo elevó hasta el cielo con una banda sonora que incluye a Freddy Cole (hermano de Nat King cole) e incluso a Estrella Morente.

Trueba y Mariscal querían un músico cubano apasionado y crearon a Chico; también una sensual cubana con alma de diva hollywoodiense y entonces, crearon a Rita. Chico y Rita, Rita la Belle y Chico el pianista mantienen una relación basada en las idas y venidas desde que se conocieron en La Habana. A partir de ese primer encuentro surgirán muchos más, en un principio como dos artistas desconocidos y más adelante como un exitoso músico y una estrella de la canción. Cuando Rita entona ‘Bésame mucho’ huele a buñuelo de yuca y sabe a ron cubano. Cuando canta ‘Sabor a mí’ enamora a Chico, a los americanos y a todo el que pase por delante.

Aunque Mariscal es un amante de la cultura cubana necesitó realizar una extensa investigación a la hora de llevar a cabo la animación de los fondos de Cuba, debido al deterioro que el paso de los años ha causado en La Habana desde los años 40-50. Pero el creador no contaba con la aparición de un archivo con fotografías de la ciudad que el gobierno guarda desde 1949 y que estudió a conciencia.

‘Chico y Rita’ ha seducido a medio mundo y se ha llevado multitud de galardones como el Goya 2011 a la Mejor Película de Animación o el Premio del Cine Europeo en la misma categoría, así como menciones en multitud de festivales de cine, estando además nominada para los Óscar 2012.

‘Chico y Rita’, un homenaje al jazz, al cine, a Cuba, a ‘Casablanca’, a Nueva York y hasta a los guiones de Woody Allen.

Página Web Oficial de Chico Y Rita

‘It’ Girl

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‘”IT” es esa cualidad que poseen los que atraen a los demás con su fuerza magnética. Con “IT”, ganas a todos los hombres si eres una mujer-y todas las mujeres si eres un hombre. “IT” puede ser una cualidad de la mente, como también una atracción física. La confianza en sí mismo y la indiferencia (…) algo en tí que da la impresión que no eres para nada fría. Eso es “IT”‘.  Elinor Glyn

El término ‘It’ girl define a la chica de moda o la chica del momento, la que destaca por su manera de vestir o de hacerse publicidad en estos años en los que el materialismo gana tantas carreras. Pero una vez más no somos pioneros acuñando términos… la primera ‘It’ girl fue una actriz que ya hacía de las suyas en las primeras décadas del siglo XX y adoptó la anterior definición como la de su propia vida con la película ‘It’ (Clarence G. Badger, 1927). Su nombre, Clara Bow.

La neoyorquina actriz nació en 1905 en el seno de una familia afectada por la pobreza y los desequilibrios emocionales y psíquicos. Los duros acontecimientos de su infancia, como la muerte de un amigo en sus brazos a los 10 años o el rechazo de las niñas de su barrio por los harapos que llevaba por vestido le hicieron entrar con fuerza en el Cine al poder llorar repentinamente cuando recordaba aquellos sucesos. En cuanto a sus progenitores, se llegó a decir que el padre de Clara, aquejado de dolencias psíquicas, supuestamente violó a la chica cuando rondaba los 15 años, aunque después Clara le ayudaría a encontrar trabajo y ganarse la vida. Su madre era una prostituta que sufría epilepsia y que nunca estuvo de acuerdo con que la Bow se introdujera en el mundo del espectáculo. En medio de toda esta situación Clara envió unas fotografías de sí misma a un concurso de Cine de una revista de la época. El premio era participar en la que sería su primera película, ‘Beyond the rainbow’ (Christy Cabanne, 1922). Sin embargo, las escenas en las que Clara Bow aparecía fueron suprimidas de la cinta original, por lo que se podría decir que la primera aparición de la actriz en el cine mudo ocurrió en ese mismo año con ‘Down to the Sea in Ships’ (Elmer Clifton). Al año siguiente la madre de Clara moriría y la muchacha comenzaría a abrirse camino en el Cine.

Amable y humilde, Clara se ganó el respeto de sus compañeros en los primeros años de su carrera, trasladándose con su padre a Hollywood. En 1925 su fama, tanto de actriz como de estrella del celuloide, se aceleró con ‘Días de colegial’ (Wesley Ruggles). A partir de entonces sus múltiples idilios y sus juergas alimentaron las revistas de corazón de aquellos años. Clara Bow se rodeó de joyas, de pieles y de hombres. En cuanto a ellos, en 1930 su secretaria sacó a la luz los trapos sucios de la actriz y publicó la lista de hombres que habían entrado en su casa durante sus años de trabajo con ella, entre los que destacaban Gary Cooper (que al parecer utilizó esta relación para escalar en su carrera), Rex Bell (que años más tarde sería su marido) o un equipo de fútbol americano al completo con Marion Marrison a la cabeza (conocido tiempo después como John Wayne). Entre tanto, en 1927 la Bow protagonizó la ya nombrada película ‘It’ o ‘Ello’, que supuso el culmen de su carrera (película en la que compartía cartel con el actor español Antonio Moreno). Pero si después de la tormenta siempre llega la calma, no fue así en el caso de la ‘It’ girl. Tras el rotundo éxito de Clara Bow sus apariciones en la prensa y en los tribunales comenzaron a atormentarle y ya a principios de los años 30 comenzó a sufrir las primeras depresiones nerviosas. En 1933 rodaría ‘Hoop-la’ (Frank Lloyd), que se convertiría en su última película. Con 28 años su rápida ascendencia al estrellato paró para siempre, algo que enloqueció a Clara y que le llevó a ser internada en sanatorios mentales donde años después terminaría intentando quitarse la vida bajo un diagnóstico de esquizofrenia. Finalmente y antes de morir de un ataque al corazón en 1965, Clara Bow vivió sus últimos años junto a la tranquilidad de su familia como reliquia del viejo Hollywood, que para conmemorar sus actuaciones le puso una estrella a su nombre en el Paseo de la Fama de Los Ángeles (California).

Los Goya 2012 calientan motores

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El próximo 19 de febrero se celebrará la 26 edición de los Premios de la Academia Española de Cine y desde hoy los Goya ya tienen nominados oficiales. Si hace unas semanas conocíamos que la humorista Eva Hache sería la encargada de ejercer como maestra de ceremonias en una gala que tendrá lugar en el Palacio Municipal de Congresos de la Comunidad de Madrid, esta mañana han sido Lluís Homar e Inma Cuesta (nominados como Mejor Actor de Reparto por ‘Eva’ y Mejor Actriz Protagonista por ‘La Voz Dormida’ respectivamente) los encargados de presentar a los posibles afortunados que tendrán en sus manos la estatuilla más preciada por el Cine Español.

El protagonista con mayúsculas de las nominaciones de los Goya 2012 es de nuevo Pedro Almodóvar. Tras su etapa de desamores con la Academia la última película del director manchego, ‘La piel que habito’, cuenta con 16 nominaciones incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor y Actriz protagonistas para Antonio Banderas y Elena Anaya y revelación para Jan Cornet y Blanca Suárez. Tras ella destacan ‘No habrá paz para los malvados’ de Enrique Urbizu (14 nominaciones), que puede suponer el primer Goya para José Coronado como Mejor Actor; ‘Eva’ de Kike Maíllo (12 nominaciones), nominado como Mejor Director Novel, que se reparte las nominaciones técnicas con ‘Blackthorn. Sin Destino’, el western de Mateo Gil (11 nominaciones) y deja a ‘La Voz Dormida’ de Zambrano (9 nominaciones) en la quinta posición.

Si bien es cierto que las anteriores, excepto ‘Blackthorn’ que quizá sea la sorpresa de esta edición, tenían grandes posibilidades, algunas otras que también las tenían se han quedado en el camino. Las redes sociales clamaban hoy justicia por cintas como ‘Mientras duermes’ de Jaume Balagueró con una sola nominación para Luis Tosar como Mejor Actor; ‘No tengas miedo’ de Montxo Armendáriz con la de Mejor Actriz Revelación para Michelle Jenner, o ‘Los pasos dobles’ de Isaki Lacuesta, la triunfadora del pasado Festival de San Sebastián. Por el contrario algunos nombres, como el de Maribel Verdú o Alberto Iglesias, se van convirtiendo en clásicos de los Goya mezclándose con otros que sorprenden (para bien) como Juanjo Artero, Chapero-Jackson o María León.

Una bellísima categoría la forman las cintas ‘Melancolía’ de Lars Von Trier, ‘The Artist’ de Michel Hazanavicius, ‘Un Dios Salvaje’ de Roman Polanski y ‘Jane Eyre’ de Cary Fukunaga, con las películas que más están dando que hablar en los diferentes certámenes que estos días comienzan, como los españoles, a calentar motores.

A continuación el enlace de la web oficial con el listado completo de los nominados a los Premios Goya 2012 http://premiosgoya.academiadecine.com/finalistas/