La verdadera Mary Poppins

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Julie Andrews, Mary Poppins, PL Travers, Saving Mr. Banks, Tom Hanks, Verdadera Mary Poppins, Walt Disney

Una familia adinerada del Londres de 1910 contrata a una niñera para cuidar a los más pequeños de la casa y que así les enseñe los valores más importantes de la vida; lo que no se imaginan es que utilizará sus poderes mágicos para conseguirlo.

De esta manera podría resumirse la historia que Walt Disney adaptó en la famosa película ‘Mary Poppins’ en el año 1964 basándose en el libro homónimo de P.L. Travers. Sin embargo, el personaje creado por la escritora difiere bastante del que la encantadora Julie Andrews recreara para hacer eterna a la niñera. Si Disney basó su originalidad en  una ‘magia’ básicamente infantil, Travers buscaba crear un personaje misterioso y mucho más oscura cuyo poder de hablar con los animales provenía de ser la ‘excepción’ de la raza humana, la más cercana a la madre naturaleza… pero este misticismo no concuerda con el mojigato disney look. La escritora inglesa tampoco reconoció nunca qué le llevó a crear a Mary Poppins, para ella el personaje ‘simplemente llegó’.

Ahora, 48 años después del estreno de la popular cinta, el director de ‘The blind side’, John Lee Hancock, se ha propuesto destapar al mundo la historia de los catorce años que Walt Disney tardó en convencer a P.L. Travers para comprar los derechos de la obra.   El propio Disney podría ser interpretado por Tom Hanks en una cinta que llevaría por nombre ‘Saving Mr Banks’, aludiendo al padre de la familia que emplea a Mary Poppins. ¿Quién encarnará a la escritora? ¿Emma Thompson? ¿Maryl Streep y su acento de hierro?

An evening with Sara Montiel

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Homenaje a Sara Montiel, Instituto Cervantes, Instituto Cervantes de Nueva York, Sara Montiel, Saritísima, Una noche con Sara

‘Una noche con Sara’ (‘An evening with Sara Montiel’). Con este título, el Instituto Cervantes de Nueva York homenajea a la actriz Sara Montiel con un ciclo de cine y un miniconcierto.

‘Sara está considerada como uno de los mitos más importantes del espectáculo en lengua española, tanto por sus éxitos en cine y música como por su espectacular belleza’, así han dicho representantes del Instituto Cervantes sobre la diva española que se catapultó desde La Mancha hasta el firmamento del Hollywood de los años cincuenta.

Será el próximo mes de mayo cuando Saritísima reciba el que será uno de los homenajes más especiales de todos los que ya se le han dedicado.

Wong Kar-wai, poeta de la imagen

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Christopher Doyle, Cine hongkones, Deseando amor, In the mood for love, Maggie Cheung, Wong Kar-wai

En el año 2000, los actores Maggie Cheung y Tony Leung Chiu Wai se pusieron a las órdenes del director hongkonés Wong Kar-wai y su director de fotografía, el australiano Christopher Doyle, para crear ‘In the mood for love’ (‘花樣年華’, ‘Deseando amar’), una película muy estilizada y única visualmente que terminó de abrirle las puertas al mercado occidental.

Si bien la cinta no tuvo demasiada aceptación por parte del público hongkonés, la manera en que se narran los encuentros de dos desconocidos durante largas y parecidas escenas le hicieron ganar el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 2000.

Los dos protagonistas coinciden en un edificio de apartamentos en el que son vecinos. Sus respectivas parejas viajan continuamente y pasan la mayor parte del tiempo a solas en sus habitaciones. Ello provocará que se conozcan y entablen una amistad que les llevará a descubrir que sus parejas mantienen una relación entre ellos a sus espaldas, lo que les unirá aún más. Sus encuentros son narrados visualmente de tal manera que solamente los distintos vestidos que utiliza la actriz Maggie Cheung nos indican que ante nuestros ojos discurren distintos días.

La música, la fotografía y la belleza del conjunto visual ha hecho ya eterno el estilo de Wong Kar-wai.

10 años sin Billy Wilder

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Billy Wilder, Con faldas y a lo loco, El Crepúsculo de los Dioses, Irma la dulce, Perdición, Sunset Boulevard, Testigo de cargo

‘Era una tarde calurosa y aún recuerdo el olor a madreselva en toda la calle. ¿Cómo no supe que a veces el asesinato huele a madreselva?’, Perdición (1944).

‘Es curiosa la amabilidad de la gente cuando estás muerto’, El Crepúsculo de los Dioses (1950).

‘Nunca me desmayo porque no estoy segura de caer con elegancia’, Testigo de cargo (1957).

- ‘¿Dónde aprendió a besar así? – ‘Vendiendo besos para la cruzada infantil’. – ‘Recuérdeme que he de enviar un cheque de 100.000 dólares a la cruzada infantil’, Con faldas y a lo loco (1959).

- ‘El espejo… se ha roto’. – ‘Ya lo sé, me gusta así. Así me veo tal y como me siento’, El Apartamento (1960).

‘Ser honesto es como desplumar una gallina al viento, te llenas la boca de plumas’, Irma la Dulce (1963).

‘Me gustaría morir a los 104 años, completamente sano, asesinado por un marido que me acabara de pillar, in fraganti, con su joven esposa’, Billy Wilder.

La realidad de Heddy Honigmann

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Buen marido querido hijo, Cine documental, Cine Doré, Filmoteca Española, Forever, Heddy Honigmann

Hablar de Heddy Honigmann es hablar de Cine Documental en mayúsculas. Si bien es cierto que la realizadora peruana cuenta en su filmografía con varios títulos de ficción como ‘Au revoir’ (1995), es su largo recorrido documental el que le ha hecho estar en primera línea con películas como la sobrecogedora ‘Buen marido, querido hijo’ (2001), que aborda los asesinatos que tuvieron lugar en la ciudad yugoslava de Ahatovici desde el punto de vista de las mujeres del lugar o la aclamada ‘Forever’ (2006), presentada en el Festival de San Sebastián de ese año. En esta última, Honigmann nos invita a un viaje en el que el arte es el vehículo de consuelo entre la vida y la muerte en un lugar en el que ambos lados opuestos se entremezclan: el cementerio parisino de Père-Lachaise. La directora cuenta que los personajes que aparecen en ella y en el resto de cintas conllevan una búsqueda idéntica a la que es necesaria con las películas de ficción, ya que hay que encontrar a esas personas reales que consigan conectar con el espectador, algo que conseguirán precisamente con la realidad que contar su propia historia lleva implícito.

Heddy Honigmann está estos días en Madrid realizando varios encuentros con las personas que quieran asistir a ellos en la Filmoteca Española (Cine Doré), dentro del marco de /3XDOC/ Encuentro de Creadores.

Elizabeth Taylor, primavera en Madrid

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Cine Doré, Cleopatra, Elizabeth Taylor, Filmoteca Española, Madrid, Primavera en Madrid, Un lugar en el sol

El 23 de marzo de 2011 los ojos violeta de Hollywood, los de la mirada felina de La gata sobre el tejado de cinc, se apagaron para siempre. Elizabeth Taylor dejaba sin el brillo de su estrella a un mundo que habría entonces de elevarla a la categoría de mito eterno. Ahora, a pocos días de que se cumpla el primer aniversario de su muerte, la Filmoteca Española le rinde homenaje en Madrid con su ‘Recuerdo a Elizabeth Taylor’ del 14 al 30 de marzo en los Cines Doré.

Elizabeth Taylor en el Festival de Cine de San Sebastián 1973.

Así, la Filmoteca hace un breve repaso por la carrera de la actriz proyectando durante estos días algunas de sus más famosas películas: ‘Un lugar en el sol’ (14/03 al 17/03), junto a Montgomery Clift; ‘Gigante’ (16/03 al 20/03), con Rock Hudson y su mítico amigo James Dean; ‘Reflejos de un ojo dorado’ (22/03 al 30/03), con Marlon Brando; ‘Ceremonia secreta’ (22/03 al 24/03); ‘De repente, el último verano’ (23/03 al 27/03), basada en la obra de Tennessee Williams; ‘Castillos en la arena’ (23/03 al 29/03), donde comparte escena con Richard Burton, con el que mantuvo un apasionado y turbulento romance en la vida real; ‘¿Quién teme a Virginia Wolf’ (24/03 al 28/03), por la que ganó el Óscar a la Mejor Actriz en 1966, y ‘Cleopatra’ (25/03), una de sus películas más recordadas.

-> Programación completa marzo en el Cine Doré.

Mocambo: Marilyn & Ella

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Cannes 2012, Charlie Morrison, Ella Fitzgerald, Festival de Cannes, Frank Sinatra, Marilyn Monroe, Marilyn Monroe y Ella Fitzgerald, Mocambo

Corría el año 1955 cuando Marilyn Monroe, cansada de sus papeles y su vida en Hollywood, decidió mudarse a Nueva York para encontrarse a sí misma y dar un vuelco a su carrera. Allí conocería la vida cosmopolita de la capital del mundo y se adentraría en el mundo del jazz y la noche neoyorquina de la época. Puede que fuera también en este tiempo cuando conoció a fondo a los que reconocía como sus dos cantantes favoritos: Frank Sinatra y Ella Fitzgerald. La admiración de Marilyn por esta última sería la base de una futura gran amistad.

Ella Fitzgerald tenía muchas cosas en común con la que naciera como Norma Jean: ambas tuvieron una infancia difícil, los hombres las deseaban, representaban el Sueño Americano y desearon profundamente haber tenido hijos. Cuando la Monroe conoció a Ella, la cantante trabajaba en pequeños locales casi ocultos con su banda de jazz, ya que en muchos de los clubs más grandes y conocidos preferían no contratarla por motivos racistas. Tal era el caso del Mocambo, el club favorito de Marilyn en Los Ángeles. Cuando la actriz se enteró no se lo pensó dos veces y decidió llamar a Charlie Morrison, el jefe del club, ofreciéndole acudir a cada una de las actuaciones de Ella Fitzgerald y sentarse en las mesas de la primera fila si la contrataba. Conociendo los movimientos de prensa que Marilyn Monroe provocaba, los del Mocambo no se lo pensaron dos veces y contrataron a Ella, a cuyas actuaciones Marilyn no faltó ni una sola noche.

Ella Fitzgerald y Marilyn Monroe forjaron así una amistad que incluso inspiraría la obra ‘Marilyn and Ella’ de Bonnie Greer en 2008, estrenada en el londinense Theatre Royal. Ella contó en numerosas ocasiones la historia del Mocambo añadiendo que Marilyn Monroe fue una mujer inusual, una de esas personas adelantadas a su tiempo.

Coincidiendo con el 50 aniversario de la muerte de la actriz de La tentación vive arriba, el Festival de Cannes celebra sus 65 ediciones dedicándole su cartel, presentado hace unos días. Marilyn sopla la vela del cumpleaños del Festival, pero esta vez el Happy Birthday se queda en nuestra imaginación.

Sinnerman

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El secreto de Thomas Crown, Inland Empire, La joven, Luis Buñuel, Nina Simone, Sherlock, Sinnerman

A principios del s. XX la música negra dio al mundo una pieza que a lo largo de las siguientes décadas sería interpretada por numerosos artistas y protagonista de películas y series de televisión: ‘Sinnerman’ (‘Sinner man’; ‘Oh, Sinnerman’).

La canción, espiritualmente apocalíptica, intenta alentar a los pecadores para que así consigan redimir sus pecados, algo que hicieron The Weavers y León Bibb’s, los primeros en grabarla en 1959. La versión de Bibb’s se incluye en ‘La joven’ de Luis Buñuel.

Pero las notas de ‘Sinnerman’ esperaban todavía encontrar una voz que las hiciera eterna, algo que consiguieron cuando la gran Nina Simone, que hoy cumpliría 79 años, aprendió de memoria la canción con la que su madre, ministra Metodista, intentaba ayudar a la gente en sus ‘revival meetings’.

La inspiradora voz de la Sacerdotisa del Soul ha quedado grabada en la memoria de los cinéfilos y televidentes en distintas películas y series como las siguientes:

Daisy & Gatsby

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Baz Luhrmann, Carey Mulligan, Coppola, El Gran Gatsby, F. Scott Fitzgerald, Generación perdida, Leonardo DiCaprio, Mia Farrow, Midnight in Paris, Robert Redford, The Great Gatsby, Zelda Fitzgerald

En 1925 se publica por primera vez ‘El Gran Gatsby’ (‘The Great Gatsby’) de F. Scott Fitzgerald, el escritor de los jóvenes, la desesperación y el alcohol en la era del jazz norteamericano de los años 20 del s. XX, valga la redundancia numérica. Su talento, casi tan conocido como su vida personal, dio lugar a uno de los símbolos de aquella generación perdida: la relación de los personajes Daisy y Gatsby, casi tan famosa que la del propio F. Scott con Zelda Fitzgerald. Este idilio ha sido inmortalizado en el cine en varias ocasiones, como también lo ha sido la vida amorosa de los Fitzgerald por ejemplo en la última película de Woody Allen ‘Midnight in Paris’, en la que son interpretados por los actores Tom Hiddleston y Alison Pill. En la novela, Jay Gatsby vive en una mansión en la que organiza fiestas a diario con gente que especula sobre el origen de su riqueza. Pero la única obsesión del joven es recuperar a un amor del pasado: Daisy, que aparecerá justo a tiempo para que el lector/espectador salga como Gatsby de las vacías fiestas de charlestón y jazz para centrarse en una segunda oportunidad en su relación.

Solamente un año después de ser publicada, ‘El Gran Gatsby’ que ya había llegado a Broadway en una adaptación dirigida por George Cukor, se convirtió en película muda de la mano de Herbert Brenon y las guionistas Becky Gardiner y Elizabeth Meehan. Lamentablemente a nuestros días no ha llegado ninguna copia de dicho film.

Años más tarde, en 1949, Ellio Nugent llevó de nuevo a la gran pantalla la célebre novela de Fizgerald con una película que no tuvo demasiada aceptación. Tendría que llegar el año 1974 para que Jack Clayton, con un guión de Francis Ford Coppola, diera lugar a la que hasta ahora ha sido la adaptación definitiva y recordada por la mayoría de los espectadores. En ella Robert Redford y Mia Farrow hacen lo propio como Gatsby y Daisy en unas interpretaciones que cayeron en el olvido de los galardones hollywoodienses y que no fueron bien acogidas por la crítica internacional, sobre todo la de Farrow, tildada de sobreactuada en su acento.

Una TV-movie con Mira Sorvino como protagonista en 2001 fue la última vez que pudimos ver a Daisy y Gatsby en la pantalla, aunque no será la última. La versión de Baz Luhrmann ya calienta motores para este 2012 con Leonardo DiCaprio y Carey Mulligan. El actor intentará hacernos olvidar a Robert Redford en una película que ojalá esté más cerca de ‘Moulin Rouge’ que de ‘Australia’, ambas de Luhrmann.

Los ojos de Amparo Rivelles

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Amparo Rivelles, Camerinos, De mujer a mujer, Fuenteovejuna, Instituto Cervantes, La casa de Bernarda Alba, La Celestina, Larrañaga, Malvaloca

Estando esta noche totalmente sumergido en la fase REM, aquella en la que el individuo está más receptivo y en la que se producen los sueños, me he visto sorprendido por la presencia de una mujer con brillo de estrella que ha entrado con paso firme y me ha mirado desde las alturas del Olimpo. Sus ojos tenían ya la seguridad de estar de vuelta de todo y sus arrugas hablaban de experiencias, éxitos y fracasos. Sin embargo, desde ahí abajo la he visto transformarse. De repente ha rejuvenecido y ha comenzado a hablar por boca de una Rosita con acento sureño a la que según ella misma me ha indicado llaman Malvaloca, y cuando intentaba contarme sus desventuras con un tal Leonardo el pelo, la piel le ha vuelto a cambiar. Me ha mirado algo altiva y Andalucía ha desaparecido de su voz. Estaba enfadada, hablaba de un lugar llamado Fuenteovejuna y me ha pedido un arma para luchar. – ‘¿Un arma?’ – le he dicho, pero ella ya no era ella, se ha dado la vuelta y no me hablaba. He creído ver algo sujeto con fuerza por sus manos y al encararme de nuevo ese algo se me ha descubierto como una muñeca antigua, fría. Se dirigía a ella y la mimaba con sumo cuidado, como si las dos hablasen De mujer a mujer. La señora se ha vuelto loca, es lo único que la lógica me ha permitido pensar. Llegados a ese punto he intentado hablar con ella, preguntarle, pero al desaparecer la muñeca de sus manos, el suelo bajo sus pies también se ha transformado en tablas de madera que crujían de vez en cuando y la loca de la muñeca era ahora una vieja disfrazada de alcahueta que me miraba con ojos de bruja Celestina. Parecía querer esconderse, no quería que la reconociera. Ha sido inútil, supe quien era desde el primer momento. Da igual Isabel de Farnesio en Esquilache que Bernarda Alba, su mirada inquieta se hace inimitable en sus ojos. Los ojos de Amparo Rivelles.

Esos ojos se abrieron por primera vez hace hoy 87 años, como los de Paul Newman o    Asunción Balaguer, el mismo año 1925 en el que Chaplin rodaba ‘La quimera de oro’ y Eisenstein ‘El acorazado Potemkin’. Nieta, hija, hermana y tía de actores, el legado que Amparo Rivelles y su familia dejan a la cultura teatral y cinematográfica en general es tan grande como su Madrid natal.

En 2011 el Instituto Cervantes le rendía homenaje en una ceremonia en la que desde el escenario, su estado natural, la maestra de la dicción bromeó: ‘Soy la actriz que más hambre ha pasado, pero porque no comía porque estaba muy gorda. Ahora como y estoy delgada. Será para irme acostumbrándome al esqueleto, que ya me queda poco’, a lo que dicen que el patio de butacas pareció contestar: ‘No nos dejes nunca, Amparo’.

Foto: Amparo Rivelles por Sergio Parra (exposición Camerinos) // Homenaje a Amparo Rivelles – Insituto Cervantes (El Mundo) // Amparo Rivelles – Ficha IMDB //